Fotografia di ritratto: basi di illuminazione e posa

Una buona illuminazione e una buona posa nei ritratti non dipendono da attrezzature costose o formule complicate. Si tratta di controllare alcune variabili: da dove proviene la luce, quanto è morbida o dura, come si relaziona al viso del soggetto e come è disposto il corpo nell’inquadratura. Se applichi correttamente queste nozioni di base, i tuoi ritratti sembreranno intenzionali e non accidentali, sia che tu stia scattando con un flash dedicato, una finestra o semplicemente con il sole.

Inizia con la direzione della luce

La decisione più importante nell’illuminazione dei ritratti è la direzione. La luce deve provenire da qualche parte, e quel “qualche parte” cambia l’atmosfera e la forma del viso.

• Luce frontale (sorgente vicino alla fotocamera) appiattisce i tratti e riduce al minimo la texture. È una scelta sicura e uniforme, ma spesso appare piatta.
• Luce a 45 gradi (sorgente spostata di lato e leggermente in alto) è la classica posizione da ritratto. Illumina un lato del viso, lascia l’altro in una leggera ombra e conferisce tridimensionalità al volto.
• Luce laterale (90 gradi) crea un forte contrasto e drammaticità, ma può dividere il viso in modo netto.
• Controluce (sorgente dietro il soggetto) lo separa dallo sfondo e può produrre un profilo di luce attorno ai capelli e alle spalle. Di solito sarà necessario aggiungere luce o compensazione dell’esposizione sul viso.

Un’abitudine utile: prima di alzare la fotocamera, guarda il viso del soggetto e chiediti dove si trovi la parte più luminosa e dove cada l’ombra. Questo ti dirà cosa sta facendo la luce.

Luce morbida verso luce dura

La morbidezza è determinata dalla dimensione apparente della sorgente luminosa rispetto al soggetto, non dalla sua potenza.

Una sorgente grande vicina al soggetto — una grande finestra, un softbox, un cielo coperto — avvolge il viso e produce transizioni graduali tra luce e ombra. Questo è lusinghiero per la maggior parte delle persone perché leviga la texture della pelle e ammorbidisce le linee.

Una sorgente piccola o distante — il sole diretto, un piccolo flash sulla fotocamera, una lampadina nuda — produce una luce dura con ombre dai bordi netti. La luce dura non è “sbagliata”; è audace e grafica. Richiede solo più cura, perché ogni imperfezione e ogni bordo d’ombra viene enfatizzato.

Per ammorbidire una luce, avvicinala o rendila più grande. Per renderla più dura, allontanala o rimpiccioliscila. Questo è l’intero principio.

Schemi di illuminazione comuni che vale la pena conoscere

Non è necessario memorizzare decine di configurazioni, ma alcuni schemi nominati ti aiutano a posizionare la luce in modo deliberato.

• Loop lighting: la luce si trova a circa 45 gradi fuori asse e leggermente sopra il livello degli occhi, proiettando una piccola ombra dal naso che scende a semicerchio verso la guancia. È lo schema più versatile e tollerante.
• Illuminazione Rembrandt: la luce è più alta e più laterale, producendo un piccolo triangolo di luce sulla guancia in ombra. È più carica di atmosfera e funziona bene per i volti caratteristici.
• Split lighting: la luce è a 90 gradi, illuminando esattamente metà del viso. Drammatica e da usare con parsimonia.
• Butterfly lighting: la luce è direttamente davanti e sopra, proiettando un’ombra simmetrica sotto il naso. Lusinga molti volti ma può enfatizzare le ombre sotto gli occhi.

Qualunque schema tu scelga, mantieni la luce leggermente al di sopra del livello degli occhi come impostazione predefinita. La luce dal basso sembra innaturale; la luce proveniente direttamente dall’alto crea ombre pesanti nelle orbite oculari.

Posa: inclina il corpo, non solo il viso

I principianti spesso orientano il soggetto dritto verso la fotocamera e poi chiedono loro di girare la testa. Ciò produce un risultato rigido e piatto. Costruisci invece la posa partendo dal corpo verso l’esterno.

Ruota le spalle del soggetto di circa 30-45 gradi rispetto alla fotocamera, quindi chiedigli di girare il viso verso l’obiettivo. Questo crea una diagonale naturale attraverso il corpo e snellisce il busto. Da lì:

• Il peso sul piede posteriore con il ginocchio anteriore leggermente piegato conferisce una posizione rilassata e angolata.
• Le mani dovrebbero fare qualcosa: appoggiarsi su un fianco, tenere un colletto, infilarsi in una tasca. Le mani inattive che pendono dritte verso il basso risultano goffe.
• Mento leggermente in avanti e in basso definisce la linea della mascella ed evita il “doppio mento” che appare quando il mento si solleva e rientra.
• Gli occhi dovrebbero guardare l’obiettivo per creare connessione, o appena oltre per una sensazione più spontanea.

Fornisci indicazioni in un linguaggio semplice (“gira la spalla sinistra verso di me, poi guarda l’obiettivo”) piuttosto che usare termini tecnici.

Lavorare con il soggetto

La maggior parte delle persone non sono modelli e si sentiranno a disagio. Il tuo compito è ridurre questa tensione.

Parla mentre scatti. Fornisci piccoli aggiustamenti specifici uno alla volta, anziché un elenco. Scatta qualche fotogramma, mostrane uno buono se te lo chiedono e mantieni l’energia calma. Il movimento aiuta: chiedi loro di spostare il peso, fare un passo, o girarsi e guardare indietro. Le pose statiche diventano presto banali, e i fotogrammi tra una posa e l’altra sono spesso i migliori.

Una semplice configurazione iniziale

Se non sai da dove cominciare, prova questo: posiziona il soggetto vicino a una grande finestra, con un’angolazione di 45 gradi rispetto ad essa, con la finestra leggermente sopra il livello degli occhi e su un lato. Ruota il corpo del soggetto lontano dalla fotocamera e il viso di nuovo verso di te.

Posizionati in modo che la finestra sia a circa 45 gradi rispetto alla tua posizione. Misura l’esposizione per il lato illuminato del viso e lascia che il lato in ombra cada dove deve. Questa singola configurazione ti insegnerà più sulla luce di qualsiasi attrezzatura.

Padroneggia la direzione, la morbidezza e l’angolazione del corpo, e potrai realizzare un ritratto d’impatto quasi ovunque.